« L’art contemporain » est une source sans fin de commentaires, d’analyses, de critiques ou de louanges. Le fait qu’il s’agisse généralement d’un art conceptuel ne facilite pas les échanges : ses contempteurs se font traiter d’ignares par ses défenseurs tandis que ceux-ci passent au mieux pour des naïfs, au pire pour des spéculateurs.

L’un des ouvrages de référence pour tenter d’y comprendre quelque chose reste selon moi le livre de Jean-Louis Harrouel « La grande falsification » (2015), qui décrit très bien la place prépondérante prise l’artiste sur l’œuvre et ce que cela entraîne.

Un autre livre sur le sujet est paru en 2019 et a été réédité en 2020 : « Art contemporain – Manipulation et géopolitique ». Son auteur, Aude de Kerros, a écrit plusieurs ouvrages critiques sur l’art contemporain, ainsi que de nombreux articles de presse. Intéressant par son apport géopolitique et historique, ce livre n’échappe pas hélas aux défauts que j’avais trouvés aux précédents : l’absence de fil conducteur, de trame guidant le lecteur au long de la démonstration. C’est donc par moment une sorte d’inventaire dont on ne comprend pas toujours la finalité : liste des musées d’art contemporains dans le monde, des grandes foires, des maisons de vente aux enchères, etc.

C’est dommage car ce livre regorge d’informations intéressantes. Certaines pages sont ainsi très éclairantes sur le déplacement du marché de l’art des grandes capitales européennes – au premier plan desquelles Paris – vers New York, Miami et l’Asie, sur la position de l’art russe et de l’art chinois, tous deux extrêmement méfiants vis-à-vis de l’art contemporain fortement soutenu par les Etats-Unis, ou sur la naïveté française face au bulldozer américain. On y apprend ainsi que la sculpture et la peinture sont encore enseignés à un haut niveau en Chine comme en Russie. Je me pose d’ailleurs toujours la question de savoir pourquoi, en France, les conservatoires de musiques sont restés des lieux d’enseignement très exigeants alors que les beaux-arts ont totalement sombré…

Dans son livre, l’auteur explique que, pour des raisons mercantiles, l’art contemporain (« AC ») a évolué dans les années 2000 et qu’il ne se positionne plus en rupture avec l’art traditionnel mais qu’il veut au contraire se placer à tout prix comme sa suite naturelle. De fait, il n’y a plus guère de musée qui ne choisisse de mettre quelques œuvres d’AC aux côtés des toiles impressionnistes, des sculptures de Carpeaux ou des triptyques religieux baroques, sous prétexte de « dialogue des œuvres ». C’est en fait une évidente recherche de légitimité d’artistes contemporains, qui pourtant excluent « tout retour à des notions d’harmonie, d’esthétique et de beauté, de contenus spirituels ou enracinés ». « L’esthétique kitsch associée au conceptualisme nihiliste est la formule magique développée au tournant du millénaire pour faire de l’art commercial une culture universelle ».

Aude de Kerros établit un parallèle intéressant entre la crise des subprimes de 2008 et l’AC. Le krach financier a révélé que les produits financiers dérivés n’avaient pas de contrepartie matérielle tangible et qu’ils étaient en fait extrêmement fragiles. De même, dans les contrats de vente d’AC, « ce qui est vendu est l’immatériel « concept » et non l’objet. Sa réalisation matérielle est un détail à régler en plus : elle peut être produite ou non, ici ou ailleurs, maintenant ou plus tard ». Ainsi, cela « permet de déplacer des sommes d’argent sans bouger l’objet, ou sans objet ».

S’il y a une telle similarité, pourquoi l’AC n’a-t-il pas subi la crise des subprimes ? Selon l’auteur, c’est en raison de « la discipline et la solidarité entre tous les acteurs de la chaîne de fabrication de la valeur (collectionneurs, salles des ventes, grandes galeries, institutions et médias). »

Faut-il alors désespérer de l’art actuel ? Non, répond A. de Kerros. Alors que l’AC semble avoir exclu « toute œuvre portant à la contemplation, une réalité anthropomorphique demeure : la « libido de l’œil, son plaisir sensuel, son appétit, sa délectation ». Il suffit de regarder les œuvres mises en avant sur Pinterest pour voir que le Beau fait toujours son effet et que « Le Prince Napoléon et chien Miro » de Carpeaux séduit plus qu’un bouquet de tulipes mal stylisées ou un veau baignant dans le formol… La circulation élargie et à grande vitesse des images, partout dans le monde, empêche désormais d’affirmer qu’il n’existe plus qu’un seul art, l’AC.

C’est sans doute cette fluidité du Beau, de l’attachant, qui a conduit l’AC à évoluer : capable d’écraser la peinture en Europe, le réalisme socialiste à l’Est, « d’interdire toute démarche artistique engendrant une hiérarchie des talents, afin d’exercer la promotion arbitraire de la médiocrité », il a dû trouver un substitut à l’un de ses défauts, la froideur du concept, en se tournant vers le kitsch, « divertissant, immédiatement perceptible et mémorisable sans discours », vers la mode et le design.

Aude de Kerros met en vis-à-vis l’AC lourdement promu par les Etats-Unis, qui en font un « soft power » puissant, et la situation de l’art en Russie et en Chine. Outre-Atlantique, l’absence de racines historiques de l’AC est compensée par un discours de « contestation de la culture occidentale, dominée par l’homme blanc ». Tout est « revu sous l’angle des questions de classe, d’appartenance ethnique, de genre. L’idéologie dominante choisie est le multiculturalisme, ruse qui a consisté à consentir hypocritement un pouvoir symbolique aux minorités. Le but réel est l’uniformisation du monde par l’effacement des civilisations ».

La position russe n’est pas la même : après avoir été « sidérée » par l’ouverture à l’Occident, noyée sous les meutes d’experts et de consultants des institutions mondiales, la Russie a compris le rôle de « soft-power » de l’AC et, ayant subi pendant des décennie la propagande, elle ne tombe pas dans le panneau. Comme la Chine, qui défend sa civilisation, elle « préfère savourer la diversité de l’art dont elle a été cruellement privée ».

En conclusion, l’auteur énonce les principales menaces pesant sur l’AC : le grand doute issu du krach financier de 2008 et qui commence à peser sur la solidité les valeurs financières cotées en Occident, l’extrême étroitesse du milieu social qui défend l’AC, le risque d’effondrement de la pyramide de Ponzi qu’il constitue, l’inanité du discours accompagnant l’AC, discours « qui donne une impression de sénilité et de radotage ».

Il y a un an, je visitais à Paris le joli musée de la vie romantique (voir http://colcombet.com/les-beaux-musees-de-paris-le-musee-de-la-vie-romantique/) et, à la petite boutique, j’achetais un livre de poche sur la vie d’artiste au XIXème siècle. Il y a des ouvrages que l’on aimerait avoir lu mais qu’on n’a pas le courage d’ouvrir ! Ils restent ainsi de longs mois sur la table de chevet, délaissés par le lecteur qui leur préfère toujours un livre plus facile, plus passionnant. Il faut dire que près de 450 pages écrites très serrées, bien sûr sans illustration et en format poche, c’est assez dissuasif…

Et puis, récemment, par devoir et pour ne plus avoir sous le yeux ce reproche permanent à une certaine paresse, je me suis plongé dans cet ouvrage. Et je n’ai pas été déçu !

Anne Martin-Fugier explore tous les domaines entourant l’artiste : formation, atelier, modèles, marchands, galeries et salons, ventes aux enchères, amateurs et collectionneurs, place de l’artiste dans la vie sociale et intellectuelle, etc. La profusion des informations, des exemples cités, des témoignages est étonnante. De nombreuses citations rendent l’ensemble très vivant.

Un vendredi au Salon des Artistes Français – Jules-Alexandre Grün (Musée de Rouen)

Ce livre, qui déborde sur le début du XXème siècle, est en grande partie consacré aux peintres, notamment aux impressionnistes, mais on y croise cependant quelques sculpteurs, des peintres académiques, d’autres d’avant-garde. Au fil des pages, on y découvre la bonté de Gustave Caillebotte « incarnation même du peintre riche qui se montra d’une grande générosité pour ses confrères », le mauvais caractère de Degas, le sans-gêne de Monet qui réclame vertement et sans cesse à Bazille une aide financière que celui-ci, pauvre, est bien incapable de fournir (« Oh ! Je vous en veux beaucoup, je ne pensais pas que vous me laisseriez ainsi : c’est bien mal… Réparez votre faute bien vite ! »), les réceptions chez les frères Goncourt, les mésententes entre Matisse et son illustre professeur William Bouguereau, l’élégance de Rosa Bonheur qui ne se juge pas digne de la Médaille d’honneur du Salon de 1899 (« Je refuse absolument que mon nom soit porté cette année pour cette distinction. Il serait ridicule que le petit tableau que j’ai exposé cette année reçoive une aussi haute récompense »), le profil de quelques acheteurs ou marchands, etc.

Autoportrait à la palette – Frédéric Bazille (Musée d’Orsay – Paris)

Parmi les premiers, citons Eugène Pereire, fils d’Isaac, riche banquier parisien. Eugène liquida une importante collection de peintures achetées en Espagne par sa famille, des croûtes, dont elle essayait de se débarrasser auprès des églises. Puis Eugène se mit à acheter des œuvres contemporaines, par goût sans doute, par intérêt pour les artistes mais aussi par calcul : « Moi, j’achète quelques modernes, parce qu’on est plus sûr. Et puis ça montera. Par exemple, nous avons fait une bonne affaire en achetant la Marguerite de Sheffer. Depuis, il est mort ; ça vaut de l’argent maintenant. Il faut qu’ils meurent, ces gens-là… ».

Le grand atelier d’Ary Scheffer rue Chaptal – A. J. Lamme (Musée de la Vie romantique – Paris)

Parmi les portraits de marchands, arrêtons-nous un instant sur celui du père Tanguy. Les marchands de fournitures pour artistes, surnommés « crasseux » à l’opposé des « spéculateurs chics », achetaient souvent des œuvres à leurs clients et les exposaient dans leur boutique qui tenait généralement de la brocante. Le père Tanguy était de ceux-ci. Né en Bretagne en 1825, il fut plâtrier, puis employé des chemins de fer. Ayant déménagé à Paris, il devint broyeur de couleurs salarié puis à son compte et sa femme, ancienne charcutière à Saint-Brieuc, prit une place de concierge. Marchand ambulant, il proposait ses produits aux peintres « de plein air » et fournit ainsi Renoir, Pissaro, Cézanne, Monet, etc. Le père Tanguy avait une haute idée de la morale : il faisait crédit aux artistes qui ne buvaient pas, ne jouaient pas, n’allaient pas aux courses. Condamné – par erreur, dit-on – aux galères comme déserteur et pour avoir participé à la Commune, il fut emprisonné à Brest et devait être déporté. Le peintre Félix Jobbé-Duval réussit à la faire libérer.

L’église de Moret (le soir) – Alfred Sisley (Musée du Petit Palais – Paris) 

Autorisé à regagner Paris, il fut chassé de son logement par son propriétaire ; il décida alors de reprendre la boutique de son ancien patron et y exposa aussi des tableaux. C’est là qu’Ambroise Vollard vit pour la première fois des Cézanne. La boutique du père Tanguy devint célèbre jusqu’en Amérique. Pourtant, piètre gestionnaire, il était couvert de dettes. A sa mort, sa collection fut vendue et elle ne rapporta pas grand-chose à sa veuve. Dans cette collection, des Gauguin, Cézanne, Pissaro, Renoir, Berthe Morisot, Emile Bernard, Seurat, Signac, etc. ! Quelques décennies plus tard, ces œuvres valaient des dizaines de millions…

Un bar aux Folies Bergère – Edouard Manet (Courtauld Gallery – Londres)

Au fil des pages, on comprend que la situation financière des artistes du XIXème n’était guère fameuse, sauf pour quelques-uns, de famille aisée ou déjà bien établis. Mais le mythe des impressionnistes maudits, méprisés de tous et qui ne trouvent pas où exposer, s’effrite. Les artistes que l’on trouve aujourd’hui sur les cimaises des musées du monde entier et qui battent des records en salle des ventes exposaient sans trop de difficultés, trouvaient galeristes et protecteurs, entretenaient entre eux des relations intenses. La vie n’était pas facile pour eux, certes, mais beaucoup furent reconnus de leur vivant, grâce notamment à de grands collectionneurs, américains souvent, qui leur achetèrent de très nombreuses toiles.

La vie d’artiste au XIXème siècle – Anne Martin-Fugier – Editions Pluriel 2016.

Jardin potager à l’Hermitage, Pontoise – Camille Pissaro (Musée d’Orsay – Paris)